Être une grande gueule !

Être une grande gueule c‘est entendre souvent : « toute les choses ne sont pas bonnes à dire », « tu ne peux pas être plus discrète », « baisse d’un ton ! », « pourquoi tu t’excites ?? », « faut toujours que tu te fasses remarquer ! »

Alors pour ne pas être le petit mouton noir qui me collais déjà suffisamment à la peau, très vite j’ai décidé d’être comme bouche cousue – en vain, mon corps n’était pas mort lui, il trépignait !

Comme la mal-a-die, mon corps a dit, dans le mouvement, dans l’espace et dans le temps ce qu’il ne pouvait pas dire, mon corps a dit oui, mon corps a dit non, il a dit petit, il a dit grand, il a dit doux il a dit tranchant, il s’est ouvert aux autres et s’est refermé sur lui même, mon corps a dit dans la danse, il a hurlé en silence !

C’est ce que ma grande gueule s’échine à faire aujourd’hui, faire parler les corps, tout les corps ! pour dire le beau, raconter le vrai, dire que malgré le handicap, la maladie, la différence, les traumatismes, malgré tout… les corps sont là, bien là et ils dansent !

Les liens sociaux se transforment-ils vraiment ?

A l’heure où nous sommes et devons restés connectés en permanence à notre smartphone et aux réseaux sociaux, à l’heure où les liens sociaux se re-dessinent et se ré-inventent, on dit, on expose, on montre, on se montre, on dénonce, on rassemble, on provoque, on accuse, on défend, on libère la parole (# balance on porc) on libère les esprits (printemps arabes)… tous de grandes gueules ! Quelle responsabilité en effet Phillippe Hert ! Mais cette prise de parole, cette communication, cette expression transforme t’elle notre rapport à l’autre. Quelles sont les formes d’expression de l’être social d’aujourd’hui, pourquoi avons nous besoin de parler, parfois de crier pour exister ?

La prise de parole dans les réseaux sociaux permet d’exister en disant Je dans un Nous, ce foutu sentiment d’appartenance. Au sein d’ une communauté, d’un groupe, nous disons, nous exprimons, nous lisons, nous écoutons, nous persistons dans notre relation à l’autre mais comment nos interactions ont-elles évoluées ?

Au travers d’une nouvelle création mêlant danseurs valides et non valides, nous avons exploré ces nouvelles connexions inter et intra personnelles ? ont-elle changé la nature de nos liens, ont-elle transformé les relations inter et intra corporelles, physiques, charnelles, physiologiques au fil du temps ?

Notre rapport au corps, au mouvement, notre langage corporel nous dit-il des choses sur notre manière de communiquer et d’échanger ? La création veut faire éclat des relations corporelles du soi à l’autre, avec l’autre, vers l’autre… elle veut mettre en lumière les flux de mouvements qui oscillent entre individualité et communauté dans un espace où tout est connecté.

Comment les corps traversent ces espaces de communication ? comment les corps passent à travers, se dirigent, s’éloignent, s’attirent, s’appuient, se construisent, s’élèvent, s’entr’aident, s’embrassent et se séparent ?

Cette dualité, ce lien parfois transparent mais indélébile du soi à l’autre s’élève comme le cœur pédagogique de ma pratique professionnelle aujourd’hui.

Je travaille avec divers publics que parfois je nomme vulnérables d’autres fois spécifiques mais que j’aimerais souvent ne pas nommer. Finalement je travaille avec les gens, certains sont petits, certains sont grands, d’autres n’entendent pas, d’autres ne marchent pas, quelques uns sont malades du corps ou de l’esprit mais tous vivent ou survivent à travers la relation à l’autre.

Dans ma pratique de la danse créative qui consiste à amener les personnes à créer des mouvements – inspirés par divers stimulis – à les interpréter puis les apprécier, je parle souvent de l’épanouissement de soi dans la création collective.

La danse créative est arrivée en Angleterre dans le nouveau paysage urbain d’après-guerre qui avait provoqué l’appauvrissement des espaces artistiques, culturels et de loisirs. Les liens sociaux se recentrent donc sur la famille nucléaire au détriment des relations de voisinage, de la communauté. C’est ainsi qu’est apparu le concept anglosaxon de community art que l’on pourrait comparer à l’éducation populaire et l’animation socio-culturelle en France.

Animer c’est donner vie, la vie c’est la relation inter-dépendante aux autres et à son environnement, Animer c’est donc créer le lien social par le faire, le dire, le montrer, le toucher, le regarder… L’éducation populaire a voulu en ce sens, redonner une place aux citoyens en tant qu’acteurs de leur cité. L’art permet de leur redonner la parole, il offre un vocabulaire à l’expression, une façon de crier des maux. L’art devient un canal de communication dont les codes langagiers se meuvent au fil du temps, au fil de la conversation. Les individualités transforment la communauté qui les a elle même transformé.

La confiance et la joie

La danse créative vient donc à travers le langage du corps, redonner la parole aux émotions rarement trahies par le mouvement.

La démarche inclusive de la danse créative, partant du postulat que tout le monde peut danser, implique la diversité et refuse l’exclusion. Elle revêt également un aspect holistique puisque la danse est une des rares pratiques artistiques qui implique le faire, le penser et le ressentir. Tout est danse, ainsi les moyens d’expression sont vastes.

Et enfin la danse créative utilise une pédagogie participative et auto-centrée qui permet un aller-retour entre l’individu et le groupe. Ce dernier paramètre est important puisqu’il conditionne les deux autres. C’est cette pédagogie considérant le participant comme acteur de sa démarche artistique qui va créer les axes de communication, développer le lien social au travers du plaisir ressenti dans le jeu collaboratif, l’utilisation des accessoires, les images mentales et visuelles… D’autre part en partant des capacités de chacun, en partant du Je dans le Nous, la pédagogie auto-centrée va permettre de. développer une certaine confiance en soi.

La confiance en soi c’est d’abord faire confiance aux autres, c’est la dimension relationnelle du philosophe Charles Pépin* qui dans sa définition de la confiance en soi comprend la confiance en les autres et la confiance en le monde. On en revient à ce lien individualité/communauté. Chaque exercice de la danse créative va explorer la relation que l’on a avec son corps et celui des autres dans un espace commun (travail en binôme, en groupe, en individuel).

Dans mes ateliers, j’essaie toujours d’amener la confiance en soi selon deux étapes que Charles Pépin distingue:

1) La mise en confiance : En partant du vocabulaire de chacun des participants, de leur mouvement, de leur histoire, on les valorise, on les rassure, les objectifs sont atteignables. L’aspect ludique de la danse créative va aussi emmener petit à petit le participant vers le lâcher prise. Le jeu va permettre l’interaction et et la complicité . Le sentiment d’appartenance qui en découle va impulser la confiance en soi et en l’autre.

2) Faire confiance : Dans les 3 étapes de la danse créative qui sont créer, interpréter et apprécier, la performance joue un double enjeu de sensibilisation et de valorisation. Leur faire confiance, c’est les responsabiliser dans leur prise de parole vers le monde, assumer le message transmis dans la performance, l’histoire racontée par leur œuvre artistique à la fois individuelle et collective. C’est également les valoriser dans leur capacité à transmettre, leur capacité à faire et à dire, leur capacité à être citoyen bien évidemment !

Le fait que le mouvement vienne raconter quelque chose, montrer un sentiment ou démontrer un préjugé… vient ériger alors son interprète presque comme un militant de la cité dans sa démonstration à dire et à faire, dans sa manifestation le danseur crée son espace et prend la parole !


REFERENCES

  • Diane Amans : Introduction to Community dance practice, 2008
  • Mathilde Bertrand : « Les Community arts en Grande-Bretagne : un mouvement artistique
    engagé, 1968-1990 »
  • Anthony Peppiatt: « What is a Framework And Why Does it Matter’ Thinking Aloud. In Search
    of a Framework for Community Dance ». Leicester: The Foundation for Community Dance,1996
  • Charles Pépin : La confiance en soi. Allary Edition, 2018


Mamé YANSANE

Based on the statement that anyone can dance, I often offer my skills to those called "socially excluded". Hence, my overarching methodology is mainly the creative process as collaborative and participative, incorporating ownership and decision making, as well as inclusive and learner-centered approaches.

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1 réponse

  1. 18/06/2018

    […] procure une joie, comme le dit Delphine dans le film, et comme en parle Mamé Yansane dans son billet. Le corps prend son autonomie et le danseur « assiste » à sa danse et à sa transformation. En […]

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